Con una recaudación de taquilla internacional de más de $ 700 millones en todo el mundo y $ 354 millones a nivel nacional, Wonder Woman de Patty Jenkins se ubica fácilmente como una de las películas de mayor éxito comercial que jamás haya sido dirigida o codirigida por una mujer.
También se ganó elogios de la crítica abrumadora en todos los ámbitos, con una asombrosa calificación del 92% en Rotten Tomatoes, que lo certifica oficialmente como "fresco".
Si bien algunos de los elogios pueden ser excesivos, no se puede negar el notable éxito de la película como obra de entretenimiento y como punto de encuentro cultural para el avance de las mujeres en el cine.
En este artículo repasaremos la historia del cine y recordaremos el importante papel que han jugado las directoras en ella. Desde el trabajo pionero de Alice Guy-Blaché hasta la coronación de Kathryn Bigelow en la 82ª edición de los Premios de la Academia, las mujeres siempre han estado a la vanguardia del progreso cinematográfico.
Para celebrarlos, aquí hay una lista de las 16 mejores películas de todos los tiempos dirigidas por mujeres, clasificadas.
16 El Babadook (2014 - dir. Jennifer Kent)
Casi todas las grandes películas de terror tienen un trasfondo de dolor reprimido del cual los demonios, fantasmas, monstruos y asesinos son una expresión agresiva. De esta conocida perogrullada, Jennifer Kent ha extraído la película más conmovedora sobre el dolor y la depresión desde Melancholia de Lars Von Trier y una de las representaciones más auténticas de la paternidad jamás filmadas.
En lugar de usar su metáfora como argumento principal de la historia, The Babadook la construye sobre una base de escenas incómodamente realistas de conflicto madre-hijo de las que el monstruo titular emerge como una culminación lógica, haciendo una transición perfecta de la película al reino de la fantasía expresionista.
Son las actuaciones en duelo de Essie Davis y Noah Wiseman las que dan energía a la película y proporcionan su poder aterrador. En los últimos años, The Babadook también se ha convertido en un símbolo para la comunidad LGBTQ.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975 - dir. Chantal Akerman)
Imagínese esto: una película de tres horas que sigue la rutina diaria de una madre soltera mientras se levanta, se baña, prepara a su hijo para la escuela, limpia su departamento, compra alimentos, prepara la cena y se prostituye (principalmente fuera de la pantalla) Pagar las cuentas. Jeanne Dielman todo sucede en tomas largas y únicas, en las que no se escatima ningún detalle de sus acciones, con diálogos escasos y sin narración de voz en off para explicar sus pensamientos.
Si esto suena como una prueba de resistencia, es porque hasta cierto punto lo es. Al compartir cada minuto y cada tramo de silencio con nosotros, Chantal Akerman pone a prueba nuestra paciencia y capacidad de empatía para revelar mejor el significado que estas tareas conllevan para su protagonista y el precio que lentamente le cobran.
Anclada por una actuación principal discretamente devastadora del tour de force de Delphine Seyrig, Jeanne Dielman es una obra maestra del horror social, cuya potencia de combustión lenta permanece sin precedentes hasta el día de hoy.
14 14. Desorientado (1995 - dir. Amy Heckerling)
Es este detalle crucial el que separa las buenas películas para adolescentes de las malas, y Clueless lo saca del parque. Es observador, divertido y mucho más inteligente de lo que parece inicialmente: una combinación perfecta para su protagonista.
13 El príncipe de Egipto (1998 - dir. Brenda Chapman y Simon Wells)
El Príncipe de Egipto se presenta como una especie de anomalía en la filmografía de DreamWorks de casi dos décadas: a kilómetros de distancia de la moda de los niños geniales que ahora define la mayor parte de su producción posterior a Shrek.
Esta versión animada de la historia de Moisés y su liberación de los hebreos de la esclavitud egipcia es majestuosa, reverente y seria de una manera que carecen incluso las producciones actuales de Disney. Usando la relación fraternal de Moisés y el faraón Ramsés II como su punto central de conflicto, la película de Brenda Chapman y Simon Wells aborda la fe, la lealtad y el amor con una franqueza amigable para los niños que, a pesar de sus orígenes corporativos, le da una sensación mucho más personal. que las epopeyas bíblicas de antaño.
Sin embargo, una cosa que tiene en común con las epopeyas bíblicas clásicas es un elenco repleto de estrellas que cuenta con personajes como Val Kilmer como Moisés, Sandra Bullock como Miriam, Jeff Goldblum como Aaron y, lo mejor de todo, Ralph Fiennes como Rameses..
La humanidad plenamente realizada de los personajes pone sus luchas con dios, el poder y el destino a un nivel familiar, magnificándolos de una manera que nos humilla. ¿Quién hubiera pensado que una película de animación infantil sería una de las adaptaciones religiosas más profundas jamás realizadas?
12 Tomboy (2011 - dir. Céline Sciamma)
Lanzada en abril de 2011 con elogios de la crítica en la taquilla francesa, esta dulce historia sigue a una niña andrógina de 10 años que se viste de niño para encajar en su nuevo vecindario y se enamora mutuamente de una niña local.
Ganó notoriedad inesperada en 2013 después de que grupos de padres conservadores se quejaron de que se mostraba a los estudiantes de primaria como parte de una iniciativa de estudios cinematográficos respaldada por el gobierno. En el contexto de la reciente legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo en los EE. UU. Y el acalorado debate nacional que lo rodea, la idea de que los escolares vean a alguien de su edad explorando su identidad sexual en la pantalla fue vista por los oponentes como un ataque provocador a su inocencia.
Irónicamente, la inocencia es una de las principales cualidades de la película. Como una amiga invisible, la cámara de Sciamma nos invita al mundo de su protagonista sin convertirla en objeto de estudio o explotación sociológica. Este tacto inteligente convierte a Tomboy en una de las mejores películas jamás realizadas sobre la naturaleza performativa de los roles de género y las fronteras borrosas entre los sexos que ocultan.
11 El piano (1993 - dir. Jane Campion)
Con una Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, tres premios Oscar de las ocho nominaciones en la 66.a edición de los Premios de la Academia y 140 millones de dólares en la taquilla internacional con un presupuesto de 7 millones de dólares, El piano es sin duda una de las películas más exitosas. jamás realizado por una directora.
Ambientada en la Nueva Zelanda del siglo XIX, relata la experiencia de una joven muda vendida para casarse con un rico hombre de la frontera y su lucha por la independencia y la autoexpresión. Esto se refleja en el contrato sexual que hace con un marinero blanco retirado a cambio del único medio de expresión que realmente tiene: su preciado piano.
Jane Campion transmite los sentimientos de desplazamiento, depresión y esperanza de su personaje con una sensualidad embriagadora que recuerda la gran poesía romántica de la época. El amor, el dolor, la crueldad y la pasión se suceden en una danza embriagadora que culmina en un final milagroso que los deja a ambos tambaleándose y emocionados.
Diez tiempos rápidos en Ridgemont High (1982 - dir. Amy Heckerling)
Antes de revitalizar la comedia de la escuela secundaria estadounidense con Clueless, Amy Heckerling fue pionera en 1982 con Fast Times At Ridgemont High. La película logra comprimir todo un año de aventuras, cortejos y transgresión de reglas en un tiempo de ejecución de 90 minutos.
Sigue una red diversa de estudiantes, que van desde la virgen Stacy de segundo año de Jennifer Jason Leigh hasta el fumeta de Sean Penn, Jeff Spicoli, mientras navegan por las jerarquías generacionales, sociales y sexuales de su escuela.
Como un puente entre American Graffiti y Dazed And Confused, Fast Times At Ridgemont High es una comedia juvenil conjunta cuyas risas nos informan tanto como entretienen. La dirección aguda de Heckerling y las elecciones de canciones acertadas, junto con un guión impecablemente equilibrado, cortesía de un joven Cameron Crowe, demuestran una comprensión empática de la psique adolescente que pocos cineastas han rivalizado antes o desde entonces.
9 Las vírgenes suicidas (2000 - dir. Sofia Coppola)
"Obviamente doctor, nunca ha sido una niña de 13 años"
Así habla Cecilia Lisbon, la más joven de una hermandad de cinco niñas de una familia católica conservadora de clase media alta en Michigan en la década de 1970, a la desventurada psiquiatra que intenta comprender su intento de suicidio. Sus palabras, frías, directas y penetrantes, encierran la totalidad del primer largometraje de Sofia Coppola, en el que un grupo de adolescentes dan testimonio impotente de la misteriosa desintegración de las niñas.
El enfoque de Coppola en el hastío existencial de mujeres y niñas privilegiadas ha atraído su parte de críticas, pero su comprensión de la psique adolescente rompe todas las barreras de clase aquí. Esto se ve ayudado por las actuaciones tajantemente precisas de Kirsten Dunst, Kathleen Turner y James Woods. Alternativamente alegre, agridulce y premonitorio, Las vírgenes suicidas brilla con el realismo de los recuerdos que finalmente se fusionan con nuestros sueños.
8 Persépolis (2007 - dir. Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud)
Las adaptaciones de cómics no son mucho mejores que la adaptación animada nominada al Oscar de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud de la novela gráfica autobiográfica del primero sobre crecer en el Irán de la era de la Revolución y las esperanzas aplastadas, la tiranía hiperpatriarcal y la emancipación rebelde que vinieron con eso. Utilizando un estilo de animación de líneas nítidas que contrasta el negro, el blanco y el gris con un efecto vívido, Persépolis salta al espectador como un libro emergente que cobra vida.
Este estilo funciona como un recuerdo ilustrado de la memoria juvenil que transmite todas sus emociones asociadas con un toque de lucidez irónica adulta. Con un cóctel impecablemente equilibrado de humor autocrítico y melancolía agridulce, la fantasía infantil y la angustia política adolescente encuentran una manifestación visual común que al mismo tiempo complejiza y desmitifica la historia moderna del país.
7 Orlando (1992 - dir. Sally Potter)
La androginia de Tilda Swinton nunca se ha utilizado mejor que en esta exquisita adaptación de 1992 de la innovadora novela de Virginia Woolf. Sigue a un noble isabelino cuyo sexo cambia misteriosamente de hombre a mujer, y que posteriormente llega a experimentar siglos de sexismo, angustia y amor, todo mientras conserva la juventud eterna.
De la mano de Sally Potter, esta reflexión sobre género, sexo, poder y mortalidad se convierte en un cuento de hadas contemplativo que transporta a su audiencia a un lugar de vuelo temporal suspendido, donde las únicas reglas rectoras son los pensamientos y sentimientos de su protagonista.
Esto permite que la película se deslice a través de diferentes períodos de tiempo como un visitante paciente en un museo. Orlando fluye como un río tranquilo, confiado en su dirección, pero sin brindarle una visión completamente cartografiada de su destino final hasta su toma final perfecta.
6 canciones que me enseñaron mis hermanos (2015 - dir. Chloé Zhao)
La entrada más reciente en esta lista es una película independiente estadounidense estrenada solo en cines de Francia y Nueva York. Ambientada en la reserva Lakota de Pine Ridge, Dakota del Sur, Songs My Brothers Taught Me sigue a Jashaun, de 11 años, y a su hermano adolescente Johnny en su vida diaria, mientras la muerte inesperada de su padre biológico los deja reflexionando sobre su futuro y su lugar en un comunidad que lucha por sobrevivir.
La directora primeriza Chloé Zhao pinta las esperanzas, los sueños y los temores de su personaje con un pincel delicadamente impresionista que evita los clichés emocionales con una madurez que rara vez alcanzan los cineastas más experimentados.
Ella no exige ni lástima ni simpatía de su audiencia, sino que elige llamar la atención sobre la necesidad profundamente humana de sus personajes de conectarse y pertenecer a través de una edición sutil, actuaciones semi-improvisadas y una cámara que logra ser omnipresente y discreta. Tranquilo, sobrio y respetuosamente compasivo, la película de Zhao despierta la conciencia social del espectador con un poder evocador silencioso.
5 American Psycho (2000 - dir. Mary Harron)
La adaptación de Mary Harron de la supuesta novela satírica de terror de Bret Easton Ellis sobre un yuppie trastornado y misógino de Wall Street, que puede o no ser un asesino en serie, ha penetrado tan profundamente en la conciencia popular que es fácil olvidar lo controvertida que fue en su momento. lanzamiento. Además de las objeciones feministas sobre el contenido del material original, muchos críticos de cine lo descartaron por ser sencillo, desdentado y extremadamente superficial.
Por comprensibles que sean estas críticas, extrañan la ingeniosa subversión del estilo seductor de Harron y la actuación conscientemente amplia de Christian Bale. Su comedia no es tanto denunciatoria como inquisitiva; utilizando cinematografía de suspenso y actuaciones exageradas de la masculinidad capitalista, vuelve el elegante encanto del artificio contra sí mismo para exponer mejor el vacío detrás de él.
4 Comportamiento apropiado (2015 - dir. Desiree Akhavan)
Estrenada en los cines en 2015 después de pasar un año proyectada en festivales de cine de todo el mundo, el debut en largometraje de Desiree Akhavan como actriz, escritora y directora señala el surgimiento de un nuevo talento excepcionalmente agudo y vigorizante.
En un momento en el que las comedias independientes centradas en el amor y la vida sexual de los neoyorquinos neuróticos de clase media se han convertido casi en éxitos de taquilla de acción llenos de explosiones, lo que el comportamiento apropiado logra es nada menos que milagroso.
Con precisión milimétrica y una sincronización cómica devastadoramente precisa, Akhavan se basa libremente en su propia experiencia para narrar las crisis de identidad de la persa Brooklynite Shirin, ya que una ruptura con su novia la embarca en una búsqueda de autoevaluación.
A lo largo del viaje, experimenta con el sexo, trata de ajustarse a las expectativas feministas liberales y lucha con la decisión de confesar o no a sus padres. Ver una comedia de una sinceridad tan cautivadora y una precisión humana es ganar esperanza para el futuro tanto del género como del cine estadounidense.
3 35 tragos de ron (2008 - dir. Claire Denis)
Conocida por sus meditaciones cinematográficas sobre el impacto del legado colonial de Francia, Claire Denis es una de las cineastas vivas más respetadas de Francia y, al ver 35 Shots Of Rum, es fácil ver por qué.
Siguiendo al conductor de tren antillano Lionel y su hija posadolescente Joséphine mientras disfrutan del tiempo que les queda antes de su inevitable despedida, Denis teje un tapiz extraordinariamente rico de la vida humana a partir de simples sentimientos y sucesos cotidianos.
Cada personaje, escena y acción se siente a la vez íntimamente familiar y asombrosamente nuevo, como si estuvieras experimentando las vidas de viejos amigos y familiares desde la perspectiva de un extraño invisible. Llegas a conocer y cuidar a estas personas de formas que nunca creíste posibles para los personajes de ficción. El cine rara vez se vuelve más generoso, complejo y afirmativo que esto.
2 Wanda (1970 - Dir. Barbara Loden)
Según las reglas tradicionales de la narración cinematográfica, Wanda debería ser un completo fracaso. Es un retrato episódico, con una trama fina, de una protagonista exasperantemente pasiva, y casi muda, que deja que le sucedan cosas sin iniciativa propia y se resiste obstinadamente a cualquier intento de la audiencia de identificarse con ella.
Sin embargo, al reducir todas estas bases narrativas al mínimo, la directora, escritora y estrella Barbara Loden le da a su personaje una realidad dolorosa que no se parece a nada que pudiera producir una película realista más convencional.
Como actriz, Loden fue originalmente conocida por el público en general como la esposa del famoso cineasta Elia Kazan. Desafortunadamente, Wanda terminó siendo su único largometraje, pero, con esta película, hizo todo lo posible por ser pionera en el arte del cine como lo hizo su esposo con 21.
1 Mujer Maravilla (2017 - dir. Patty Jenkins)
Los logros de Wonder Woman ciertamente merecen una mención honorífica. Como la primera película de DC Extended Universe y la primera película de superhéroes dirigida por mujeres en recibir críticas abrumadoramente positivas, rompió dos tendencias negativas simultáneamente. Como historia de origen, logró alcanzar ritmos familiares al mismo tiempo que modificaba suficientes detalles dentro de ellos para ofrecer algo nuevo.
De hecho, el principal éxito de Wonder Woman como película es la forma en que utiliza las raíces feministas míticas de su heroína para revitalizar patrones narrativos que de otro modo serían convencionales, en particular los que involucran a Steve Trevor.
A través de los ojos curiosos de Diana, que no están manchados por el cinismo, Patty Jenkins nos recuerda el significado que tienen los héroes para nosotros y corrige el malentendido superficial de sus predecesores sobre ellos. Son los momentos sutiles a lo largo de la película los que la hacen tan satisfactoria.
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