Rehacer una película clásica es como dar a tu hijo en adopción. Solo debe hacerlo si necesita mucho dinero en efectivo, e incluso entonces es una tragedia. Esperamos que el sarcasmo aquí sea evidente, al igual que la codicia de los estudios modernos cuando se trata de sacrificar nuestros recuerdos cinematográficos en favor del todopoderoso dólar.
¿Le escupirías a un Van Gogh? ¿Editar Faulkner? ¿Tame Tchaikovsky? Si su respuesta es cualquier cosa que no sea un rotundo "NO", entonces ore pidiendo perdón. Recuerda: hacer los cambios más sutiles en el tono de piel de Yoda en la colección remasterizada de Star Wars convirtió a George Lucas en un paria, así que deja que esto sea una advertencia para Hollywood: sigues siendo relevante y esencial para la cultura y la política debido a tu creatividad. Continúe extrayendo ese recurso y resista la tentación de recauchutar terreno sagrado. Le conviene dejar las verdaderas joyas de la historia del cine en manos de Criterion Collection, el Smithsonian y el Registro Nacional de Cine de EE. UU.
Ya cubrimos 10 películas que Hollywood inevitablemente volverá a hacer, pero aquí está nuestra lista de las 10 películas que Hollywood nunca debería volver a hacer:
Lo que el viento se llevó (1936)
Adaptar la novela de Margaret Mitchell de 1936 requirió un nivel de dedicación y grandiosidad que Hollywood nunca había experimentado. En muchos sentidos, Lo que el viento se llevó de Victor Fleming se convirtió en el estándar de oro de la película épica. Sin dejar piedra sin remover con su amplia visión del sur antes de la guerra en su primera mitad, y la total destrucción de las luchas internas de Estados Unidos y los intentos de reconstrucción en la segunda, la película de 1939 deja una impresión que es difícil de quitar.
Vivien Leigh, Clark Gable y Hattie McDaniel ofrecieron algunas de las actuaciones más memorables de su tiempo, llenando la pantalla con fuertes contrastes de emoción mercurial, masculinidad de antaño y humor irónico. Acompañado por la oleada de música de Max Steiner, Gone With the Wind disparó a toda máquina. ¿Podría rehacerse hoy? Solo de nombre.
8 Casablanca (1942)
Tres años después del éxito de Lo que el viento se llevó, el sistema de estudios de Hollywood avanzó con su producción mercantil de películas. Tenían una fórmula que funcionaba. Cuando Casablanca bajó el pico como una adaptación de la obra no producida, Everybody Comes to Rick's, se puso en la vía rápida de producción para capturar el espíritu de la época de la Segunda Guerra Mundial durante la invasión aliada del norte de África.
El estreno de la película resultó brillantemente cronometrado, y aunque Casablanca disfrutó de grandes retornos de taquilla y una reacción positiva de la prensa, se enganchó en la conciencia pública mucho después de su debut inicial. Gracias a un guión trascendente que ofrece líneas memorables para cada escena de la película, el drama bélico del director Michael Curtiz sigue siendo una de las películas más románticas jamás creadas. Humphrey Bogart e Ingrid Bergman queman la pantalla. Las imágenes, la música y el tono son casi de ensueño, y cada vez que terminas de ver Casablanca, quieres volver a reproducirlo.
7 Ciudadano Kane (1941)
Orson Welles tenía solo 26 años cuando dirigió Citizen Kane, vertiendo una madurez y seriedad en la película que pocos directores han igualado desde entonces. Un apasionado del teatro, Welles pasó sus 20 años dedicado al escenario a pesar de los avances económicos de Hollywood. Cuando sus esfuerzos como actor lo dejaron necesitado de dinero, voló a Los Ángeles y, después de una gira por los estudios RKO, firmó un contrato de dos películas con sus ejecutivos.
Sin duda, Welles poseía la gracia social de la marca Clooney, ya que el director de cine por primera vez se marchó con un presupuesto considerable, una autonomía de escritura desenfrenada y, el estándar de oro del poder de dirección, los derechos para el montaje final en la sala de montaje. En esencia, las mentes brillantes de RKO confiaron a este artista de mediados de los 20 las llaves del reino.
A menudo haciendo trucos en el estudio y trabajando día y noche, hizo la película exactamente como la imaginaba. Citizen Kane no solo es un ícono duradero del Hollywood clásico, sino que debe promocionarse como evidencia de que los grandes directores merecen un control creativo completo. Si, por cada diez intentos fallidos de grandeza, el público obtiene un Ciudadano Kane, entonces la apuesta del "Director Dictador" vence a la burocracia del estudio a largo plazo.
Es una vida maravillosa (1946)
Si bien a menudo se recuerda como una película navideña, la conmovedora película de 1946 de Frank Capra es un drama desgarrador en un drag vestido de Santa. Los pensamientos suicidas, del tipo que experimenta George Bailey (James Stewart), no son motivo de risa. Quizás es por eso que los mejores momentos de la película nos recuerdan que realmente vivimos una vida maravillosa.
Es el tipo de película que te hace querer abrazar a tu familia y ralentizar las cosas por un minuto. El despreciable villano, el Sr. Potter (Lionel Barrymore), hace que se te erice la piel con su crueldad egoísta, casi brindando un llamado a la acción contra nuestra tendencia social hacia la codicia.
It's a Wonderful Life tiene sus momentos de horror, especialmente cuando George Bailey ve cómo sería la vida sin él. Capra dirige esas secuencias con una cualidad de pesadilla que acecha con la misma facilidad con la que atraen las escenas de reconciliación. No se pueden dar suficientes cumplidos a Jimmy Stewart por esta actuación, y solo por esa razón, la película debería permanecer completamente intocable.
6 6 mano fría Luke (1967)
"¡Lo que tenemos aquí es falta de comunicación!" Así habla el capitán sadomasoquista (Strother Martin) en Cool Hand Luke, ilustrando exactamente la diferencia entre hombres débiles de su tipo y el espíritu indomable de hombres como Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce y Frank R. Pierson escribieron un guión hermético que ofreció al Sr. Newman su actuación de tour de force en bandeja de plata.
Cool Hand Luke nunca se puede reiterar porque la película está definida por su actor principal. Ese tipo de arrogancia engreída y depresión profundamente arraigada hizo de Newman de ojos azules una especie de paradoja. Realizó ese cóctel dramático en The Hustler, solo seis años antes, y perfeccionó su oficio desde entonces. En la película, Newman interpreta a un veterano de la Guerra de Corea que despierta la chusma y se engancha a una cadena de cadenas por decapitar parquímetros en estado de ebriedad.
Las cosas se ven sombrías para Luke, pero mientras cumple su condena, redescubre su tenacidad y, a través de una serie de juicios en el patio de la cárcel, se convierte en el hombre más respetado de la prisión. Como era de esperar, Cool Hand Luke se convirtió en una de las películas más respetadas de la historia.
5 El padrino (1972)
Quien rehaga el clásico de Francis Ford Coppola seguramente será el anticristo. Cualquier intento de reimaginar la epopeya de Corleone sería un vivo insulto al cine, a Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale y los innumerables otros artistas que tomaron el libro de Mario Puzo y lo convirtieron en una pieza de pura poesía.
¿Cómo se empieza a describir la magnificencia del clásico de 1972? El bardo ciego no necesitaba describir mucho a Helena de Troya. Ella era tan perfecta. El Padrino tiene montones de literatura dedicada a él y, a pesar de la disección nauseabunda de la épica de los gánsteres en el mundo del cine, las conversaciones nunca cesarán.
Los temas de respeto, honor y familia están profundamente arraigados en la trilogía de Coppola, y aunque muchos de los Corleone tienen sangre en las manos, se ganaron el cariño del público con su pasión y fervor por la vida. Los valores de producción son trascendentes, y los contrastes entre personajes como Michael y Sonny Corleone hacen que la película sea verdaderamente apasionante.
4 El graduado (1967)
"Señora. Robinson, estás intentando seducirme. ¿No es así? Mike Nichols llena su segunda película con suficientes referencias fálicas e imágenes para merecer una calificación R, pero su astucia y clase como director le valieron a un PG apto para padres. The Graduate se convirtió en el pilar de las carreras de Nichols y Dustin Hoffman, con ese trasfondo de inquietud sexual y crisis de identidad que encapsuló la época.
Claro, ver a Benjamin Braddock (Hoffman) dormir con la eminentemente seductora Sra. Robinson (Anne Bancroft) resultó controvertido para la época, pero le dio al público una de las historias de mayoría de edad más divertidas y atractivas que se filmaron. Teniendo lugar en la década de 1960, donde la familia nuclear estadounidense tenía mucha menos fisión que la bomba atómica, los irónicos golpes de Nichols contra la cultura ("plásticos") fueron avanzados, impecables e inimitables.
3 En el paseo marítimo (1954)
On the Waterfront se basó en un puñado de artículos publicados en 1949 que exponían la brutalidad y las luchas internas entre los estibadores de Nueva Jersey, haciendo de la película una oportunidad única en la vida. El periodista Malcolm Johnson, que proporciona el material de origen definitivo para una película, le dio a la directora Elia Kazan el tipo de materia prima y el realismo que siempre se esforzó por encontrar.
Kazán era conocido por provocar peleas e inseguridades en sus sets, encendiendo la mecha de lo que esperaba sería una explosión de un barril de pólvora una vez que las cámaras comenzaran a grabar. Terry Malloy (Marlon Brando en uno de sus papeles más perdurables) representa al trabajador de cuello azul estadounidense que tuvo una oportunidad de alcanzar la gloria y falló, engañado hasta la degradación por su engañoso jefe de la mafia Johnny Friendly (Lee J. Cobb, el último en pantalla amenaza).
En última instancia, la película destacó la corrupción incrustada en los muelles de Hoboken y le dio a los espectadores una parte de la vida que nunca podrá ser replicada.
2 Lawrence de Arabia (1962)
Peter O'Toole es un peso pesado en la tradición cinematográfica, y aunque de alguna manera eludió el favor de la Academia y no pudo ganar el premio al Mejor Actor por Lawrence de Arabia, su interpretación de TE Lawrence definió al héroe de Hollywood. Delgado y educado con el enunciado de un erudito inglés, O'Toole transforma a Lawrence en un brillante vaquero de las arenas árabes.
La epopeya de 1962 de David Lean retrata su personaje epónimo como un héroe británico que ayudó a promover el éxito de Union Jack en la Península Arábiga durante la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, no era un John Wayne normal, y ahí es donde O'Toole encontró espacio para sus habilidades de actuación de primer nivel. En la película (brillantemente filmada por el director de fotografía Freddie Young), TE Lawrence se muestra como un guerrero lleno de remordimientos, en conflicto por sus vacilaciones violentas y pacíficas. Lleva su trastorno de estrés postraumático cargado de culpa en sus mangas con túnica beduina, pero al estilo inglés clásico, sus propias preocupaciones no le impiden cumplir con su deber.
Lawrence de O'Toole lucha con sus responsabilidades, pero nunca se lo tragan. Producida mucho después del lanzamiento de Lo que el viento se llevó, Lawrence de Arabia puede considerarse con justicia una extensión de la epopeya de Victor Fleming, que muestra a Hollywood el potencial ilimitado de la narración cinematográfica.
1 Una naranja mecánica (1971)
Rehacer una película de Kubrick requeriría un descaro increíble. ¿Cómo empezar a acceder al enfoque meticulosamente particular de la realización cinematográfica del famoso director? Quizás la entrada más intocable de su obra es A Clockwork Orange, un verdadero viaje por el carril mentalmente inestable que incluye una de las escenas más sádicas jamás ambientadas con la inocente "Cantando bajo la lluvia". Pobre Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) encabeza la pandilla de jóvenes cockney con destino a Gran Bretaña que viola y saquea su camino a través de una sociedad cada vez más rota. Es una película inquietante e impactante que asalta los ojos mientras lanza golpes en el estómago a nuestro sentido de la moralidad y la razón. Si hay alguna imagen en la película que capte mejor las capacidades de Kubrick, es sin duda la escena en la que Alex tiene los ojos abiertos mecánicamente y alimentados a la fuerza con imágenes agresivas que reconectan su cerebro.
Gracias, Stanley.
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