La temporada de premios está en pleno apogeo: todos los grupos han nombrado a sus nominados y estamos trabajando lentamente en las prestigiosas ceremonias en el largo camino hacia los Oscar el 26 de febrero.
En cuanto a las nominaciones, es justo decir que este es probablemente el mejor año desde 2011 (que trajo clásicos como The Social Network, True Grit, 127 Hours, Inception, Toy Story 3, Black Swan y Winter's Bone, incluso si fueran todos derrotados por El discurso del rey). Hay una amplia gama de películas en disputa, desde los clásicos de los Oscar hasta los audaces proyectos de retrocesos, así como una gran cantidad de películas que abordan seriamente la controversia de los "Oscar tan blancos" del año pasado (parece posible que tres de las cuatro categorías de actuación en realidad van a las personas de color).
Pero podría haber sido un grupo de nominados muy diferente. Si hubieran cambiado algunas cosas pequeñas en las producciones de las grandes películas, podríamos haber tenido a Emma Watson preparada para obtener Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto como un campo mucho más abierto, y algunas de las películas más dominantes, lanzamientos olvidados de una década. hace.
Mirando hacia atrás en el desarrollo de las películas de los Oscar de 2017, así es como podrían haber funcionado de manera diferente. Para calificar para esta lista, una película debe haber sido nominada a un Oscar y, durante el desarrollo, se sometió a un cambio importante que habría afectado directamente a la categoría en la que ha sido nominada.
15 Paramount quería hacer vallas con Eddie Murphy
La narrativa de producción de Fences es pura pasión y amor por el material. Cuando Denzel Washington se encontró por primera vez con la obra de August Wilson, optó por interpretarla en Broadway, donde él y su coprotagonista Viola Davis recibieron excelentes críticas. Fue solo unos años después que comenzó a hacerla como una película, trajo a sus coprotagonistas de teatro y realizó una película que le valió dos nominaciones al Oscar más (y pudo verlo ganar como Mejor Actor esa noche, junto a Davis, que es un certificado muerto para la actriz de reparto).
Sin embargo, esta no era la primera vez que se discutía una película basada en la obra. Paramount había comprado la adaptación del guión de Wilson y lo intentó varias veces para despegar, pero nunca pudo hacerlo funcionar. Una versión legendaria sobre la que Washington bromeó desde entonces sería como un vehículo de Eddie Murphy, algo que podría haber cambiado fácilmente la carrera del comediante.
Sin embargo, al final, la gran barrera para Paramount fue la insistencia del escritor en tener un director negro, algo con lo que realmente lucharon. Afortunadamente, Washington tuvo la influencia para llevarlo a cabo.
14 Peter Berg considerado como director de Hell or High Water
A pesar de ser el éxito independiente del verano de 2016, que Hell or High Water se haya convertido en una película de Oscar tan notable es bastante sorprendente. No porque no sea bueno o digno, está en el cuartil superior de los nominados, sino porque es el tipo de película que rara vez se nota: un thriller delgado e intenso que no deja que su subtexto enfocado se interponga en el camino de historia.
El verdadero punto de venta es el guión, que encabezó la codiciada Lista Negra, la lista de los mejores guiones no producidos de Hollywood, en 2012. Fue el trabajo de la escritora de Sicario Taylor Sheridan lo que atrajo por primera vez a Peter Berg, quien produjo la película, a bordo y en un momento dado. lo había puesto a dirigir.
Si bien con la mayoría de los ejemplos que veremos hay un elemento de curiosidad en las versiones alternativas de la línea de tiempo de estas películas, es difícil decir que Berg Hell o High Water hubieran funcionado. El director se ha labrado un nicho rentable haciendo películas patrióticas en las que Mark Wahlberg interpreta a un héroe estadounidense tradicional, y aunque Deepwater Horizon y Patriot's Day son ciertamente buenos, no es un enfoque que Hell o High Water necesitaban: ¿te imaginas a Wahlberg en el papel de Pine realmente? pegárselo a Jeff Bridges? ¡Estremecimiento!
13 figuras ocultas fue rodeada por Oprah y Viola Davis
El participante tardío sorpresa en la carrera por el Oscar de este año fue Hidden Figures, que parecía haberse perdido el tren del bombo publicitario pero emergió como un gigante de la taquilla, algo que probablemente ayudó a impulsarlo para ganar el premio Ensemble en los premios Screen Actors Guild y obtener tres nominaciones al Oscar. para película, guión adaptado y actriz de reparto.
Con tanto enfoque en las actuaciones, específicamente Taraji P. Henson, Octavia Spencer y Janelle Monáe como tres científicas negras en la NASA, una forma clave en que la película fue casi diferente fue en el elenco. Al ser una historia tan poderosa, varias otras grandes actrices estuvieron vinculadas a los roles durante el desarrollo, sobre todo Oprah Winfrey y Viola Davis.
Sin embargo, la mayor diferencia potencial radica en el guión, que originalmente iba a seguir el libro de origen y se centraría más en la NASA y menos en la vida familiar de las tres mujeres. Obviamente, esto habría dado menos escenas puramente de personajes, pero también puede haber alterado el tono; el racismo presente en la NASA está institucionalizado, pero lo que obtienen los personajes en el mundo real lo contrasta con una profunda maldad, destacando el poder de lo que hicieron estos héroes anónimos.
12 La llegada tuvo más de 100 títulos alternativos
La llegada pasará a la historia como una de las mejores películas de ciencia ficción de la década, una combinación magistral de grandes ideas y una narrativa retorcida con una historia íntima impulsada por los personajes que solo podría contarse dentro de estos parámetros. Sin embargo, podría haber pasado fácilmente con un nombre diferente.
La película está basada en el cuento Story Of My Life, que no solo es una especie de spoiler, sino que también (en palabras del propio director Denis Villeneuve) suena como “una comedia romántica”. Como resultado, el equipo de producción trabajó con cientos de nombres diferentes antes de terminar con el título bastante simple.
La otra gran razón para el cambio, sin embargo, fue que a lo largo de varios borradores, la narrativa misma había cambiado. No se sabe qué fue exactamente esto, pero es probable que esté enraizado en el enfoque lingüístico: el libro está mucho más preocupado por las complejidades del lenguaje Heptapod, mientras que la película lo usa más como fondo, y la mayor parte del desarrollo ocurre a mitad de camino. montaje de película.
11 Martin Scorsese consideró hacer del silencio una epopeya en 3D
Más que cualquier otra película de los Oscar 2017, Silence es la que casi esperas que haya cambiado más desde que se conceptualizó por primera vez; Martin Scorsese se obsesionó por primera vez con la novela de Shūsaku Endō sobre los intentos fallidos de los sacerdotes jesuitas de convertir Japón al cristianismo al hacer La última tentación de Cristo en 1988 y estuvo trabajando en un guión durante la mayor parte de dos décadas.
El primer intento concertado de hacerlo fue a fines de la década de 2000, con Daniel Day-Lewis, Benicio del Toro y Gael García Bernal en conversaciones para protagonizar (presumiblemente como Liam Neeson, Andrew Garfield y Adam Driver, respectivamente), y más tarde reapareció a principios de la década de 2010 con el plan de convertirlo en un espectáculo en 3D.
La película eventual es más clásica y muy pura para el espíritu que primero atrajo a Scorsese al libro, y posiblemente como resultado no pudo conectar con la Academia como los otros trabajos recientes del director. Es posible que a las versiones anteriores les hubiera ido mejor: el elenco original pudo haber recibido más atención de la actuación y un período épico en 3D habría ayudado a su carrera en Mejor Cinematografía (la única nominación que obtuvo), pero probablemente sea mejor que Scorsese no haya obstaculizado su visión.
10 Manchester by the Sea estaba destinado a ser dirigido por Matt Damon y su estrella
Manchester by the Sea es el favorito de Sundance que ha salido bien de los Oscar de este año. Se estrenó por primera vez con críticas entusiastas en el festival en enero de 2016 y ha atravesado una ola de exageraciones deprimidas para conseguir seis nominaciones al Oscar, y posiblemente podría obtener Mejor Actor para Casey Affleck y Mejor Guión Original para Kenneth Lonergan (aunque enfrentan una dura competencia de Fences y La La Land respectivamente).
Sin embargo, tal como se concibió, gran parte del rumor de los premios habría estado en torno a Matt Damon: originalmente estaba destinado a producir, dirigir y protagonizar la película, que estaba diseñada para ser una forma de llamar la atención sobre las habilidades de guionista de Lonergan, quien había golpeado después de dirigir a Margaret.
Sin embargo, la apretada agenda de Damon lo vio tener que seguir retrocediendo. Primero le entregó las riendas a Lonergran, pero luego tuvo que dejar de actuar, dando el papel a su amigo de la infancia Casey Affleck. Sin embargo, Damon sigue siendo productor, por lo que no se pierde los elogios por completo.
9 Darren Aronofsky iba a hacer Jackie con Rachel Weisz
Jackie no es su película biográfica estándar, lo que posiblemente sea la razón por la que su atención del Oscar se ha centrado casi por completo en la impresionante actuación de Natalie Portman como la primera dama viuda. La película en sí es una obra de arte de ensueño, que se cuela de forma no cronológica a través de las secuelas del asesinato de JFK, pero Portman lo fundamenta, presentando el dolor y la culpa en un contexto de legado forzado. Es, claramente, una película de Pablo Larraín, que se trata tanto de estados de ánimo y de meterte en la cabeza del personaje como de contar una historia, algo que impulsa a los actores pero que puede desviar la atención de la corriente principal.
Las cosas podrían haber sido diferentes si Darren Aronofsky hubiera dirigido. El cineasta Black Swan estaba listo para dirigir una versión con Rachel Weisz que se puede suponer que habría estado más centrada en la narrativa, pero cuando la pareja de la vida real se separó, también lo hizo el proyecto. Aronofsky finalmente regresó como productor y fue fundamental para lograr que Larraín firmara.
Las cosas habrían sido aún más diferentes si la dirección original hubiera seguido adelante: el guión de Noah Oppenheim se iba a hacer al principio como una miniserie de HBO producida por Steven Spielberg, quien en un momento consideró dirigir la película cuando Aronofsky renunció por primera vez.
8 Zootopia comenzó como una parodia de espías con Nick The Lead
Las películas animadas cambian mucho durante la producción. El ejemplo reciente más famoso es Frozen, que originalmente tenía a Elsa como villana y, por lo tanto, un impulso narrativo mucho más simple.
Zootopia no hizo un cambio de personaje tan grande, pero aún así se sometió a una reestructuración importante. El punto de partida de la película no fue la alegoría policial procesal y racial que va a ganar la Mejor Película de Animación, sino una parodia de espías; la película seguiría al personaje de Jason Bateman (eventualmente Nick Wilde) en una misión internacional de espionaje. Sin embargo, a medida que desarrollaron el mundo, los escritores y artistas decidieron inclinarse más en esa dirección, afinando la idea de una ciudad antropomorfizada.
El gran cambio, sin embargo, fue quién debería liderar; Durante mucho tiempo Judy Hopps iba a ser la compañera de Nick, y la película solo encontró su peso real cuando hicieron el cambio y se centraron en el novato en la gran ciudad. Esto llevó a que se modificaran los roles de varios personajes, como Clawhauser de Nate Torrence, que pasó de ser el mejor amigo de Nick a un simple sargento de escritorio.
7 Moana se inclinaría más hacia la política de género
A diferencia de Zootopia, la idea central de Moana, una exploración de la mitología polinesia, específicamente el semidiós Maui, estuvo presente desde el principio y siguió siendo una presencia dominante durante toda la producción.
Las grandes diferencias aquí vienen en el viaje de la heroína epónima. El plan originalmente con Moana era que su arco tuviera una inclinación más feminista. Al principio, tenía cinco hermanos mayores, lo que resaltaba una posición más débil en la comunidad y eso dominaba su arco. Obviamente, esto se abandonó, con su posición como princesa no tan comentada y, en particular, no había un interés amoroso a la vista en la película terminada.
La decisión de alejarse de esto permitió que la película mantuviera el enfoque en la cultura, pero también la hace destacar en el Disney moderno: el desafío manifiesto de los roles de género ya era una parte importante de Frozen, por lo que hacerlo de nuevo corría el riesgo de hacer una fórmula Princess relajante (aunque posmoderna).
6 Hubo dudas sobre dos de los personajes clave de Moonlight
Una vez que fue un caballo oscuro, Moonlight se ha convertido en una de las favoritas del Oscar (y probablemente la película con más posibilidades de vencer a La La Land en la categoría de Mejor Película de la noche). Curiosamente, a pesar de estar en desarrollo durante la mayor parte de una década, la crónica de Barry Jenkins de un adolescente negro gay que crecía en el contexto de la cultura de las drogas en Miami no tuvo ningún cambio narrativo importante a través de su desarrollo prolongado: Jenkins escribió varios versiones del guión, pero las ideas estructurales centrales estuvieron presentes desde el principio y la principal barrera fue siempre la financiación.
El casting fue una historia diferente, con varios momentos de duda en el camino: el director no estaba seguro acerca de Trevante Rhodes, quien fue elegido para interpretar al Chiron adulto (el personaje es interpretado por diferentes actores) hasta que sorprendió a todos después de un solo día de rodaje.
Sin embargo, las formas más importantes en que fue casi diferente vinieron del elenco de titulares. Lo más sorprendente de los premios fue que Jenkins no estaba seguro acerca de Mahershala Ali como el traficante de drogas Juan debido a su turno como el manipulador de dinero Remy Denton en House of Cards hasta que conoció al actor. Por otro lado, Naomie Harris no estaba interesada en interpretar a una drogadicta, y solo se dio cuenta cuando Jenkins le explicó el lado personal del papel. Incluso después de firmar, Harris casi se pierde el papel debido a problemas de visa, filmando su papel de una década en tres días.
5 Rogue One: una historia de Star Wars tuvo más de la mitad de su CGI agregado en el último minuto
Que Rogue One fue casi una película muy diferente está bien documentado: extensas grabaciones alteraron por completo el tercer acto y ampliaron enormemente el alcance, pero aquí vamos a hablar solo de los elementos que pertenecen a los Oscar.
La película ha sido nominada a Mejor mezcla de sonido (una categoría clásica de Star Wars) y Mejores efectos visuales. Esto último es particularmente interesante: la película tuvo su número de tomas de VFX casi triplicado por las nuevas tomas de 600 a casi 1,700. Esto se considera convencionalmente que ha llevado a una gran expansión de la batalla espacial que detiene el espectáculo: piense que el ritmo de Hammerhead se encuentra con el Destructor de estrellas y se encuentra con otro Destructor de estrellas se encuentra con la puerta del escudo, algo que afecta en gran medida la escala. y peso del final.
Por supuesto, el elemento de efectos más atrevido fue parte de la película de antes: la resurrección digital de Peter Cushing para desempeñar un papel secundario entre ellos. Es muy posible que la película aún hubiera sido nominada solo por esa elección audaz (aunque controvertida), pero el alcance ampliado definitivamente lo convirtió en un paquete.
4 Joaquin Phoenix fue considerado para el papel de animales nocturnos de Michael Shannon
El viaje de premios de Nocturnal Animals ha sido bastante extraño. En un año diferente, podría haber sido un contendiente para cualquier cosa, desde director hasta mejor actriz y mejor guión original, pero la disección onírica de Tom Ford de por qué contamos historias y el efecto que tienen en nosotros a través del vestigio de un matrimonio roto y un La historia de venganza dentro de una historia se ha asentado en la periferia.
Lo más extraño de la atención de los premios es la falta de coherencia. Aaron Taylor-Johnson en realidad ganó el premio al Mejor Actor de Reparto en los Globos de Oro por su criminal psicótico en el libro del universo, superando a Mahershala Ali en un gran impacto, pero en los Oscar fue Michael Shannon quien recibió un guiño por el canoso, no. -policía tonta persiguiéndolo.
Sin embargo, esa oportunidad podría haber sido para Joaquin Phoenix. En los primeros días del desarrollo, el actor estaba vinculado al proyecto y, dado que las estrellas Amy Adams y Jake Gyllenhaal ya habían firmado, presumiblemente era para interpretar a Bobby Andes. Sin embargo, es difícil imaginarlo haciéndolo mejor.
3 El estudio quería hacer Hacksaw Ridge PG-13
Existe el peligro de que las películas de eventos reales “casi demasiado buenas para ser verdad” terminen simplemente dramatizando la página de Wikipedia en lugar de contar una historia emocionante. Esto podría haber sido muy cierto de Desmond T. Doss, el soldado pacifista en el corazón de Hacksaw Ridge. Afortunadamente, Mel Gibson (de todas las personas) aporta suficiente peso como director a la acción y justifica la extrema fe de Andrew Garfield para que sea algo más.
Los intentos anteriores probablemente no hubieran tenido tanto éxito (la película fue un éxito de taquilla y tiene seis nominaciones al Oscar). El plan original era hacer un documental que explorara la vida completa de Doss a partir de sus propias historias, cuyos elementos permanecen en las cabezas parlantes posteriores al drama de la película (fue enlatado después de su muerte en 2006), aunque lo que vino después es cuestionable.
Había una película en juego desde que Doss cedió los derechos de su historia en 2001, pero el titular, Walden Media, insistió en que sería un asunto PG-13. Si bien eso es comprensible dado el ángulo contra la guerra, robaría por completo a la película su horrible contraste y definitivamente no habría atraído a un cineasta visceral como Gibson. Afortunadamente, Walden finalmente devolvió los derechos al titular original, Bill Mechanic, quien finalmente convenció a Gibson de firmar.
2 Elle estaba planeado para ser una película en inglés ambientada en Estados Unidos
Elle, de Paul Verhoeven, se ha convertido en una de las raras películas en romper las restricciones de idiomas extranjeros y obtener una nominación importante; Isabelle Huppert incluso obtuvo una nominación a Mejor Actriz.
Sin embargo, ella no era la primera opción del director; A lo largo del proceso de desarrollo, Verhoeven consideró una amplia gama de actrices como Charlize Theron, Julianne Moore, Sharon Stone, Marion Cotillard, Diane Lane, Carice van Houten y Jennifer Jason Leigh. Ahora hay una gran diferencia entre la mayoría de esos actores y Huppert: excepto Cotillard, todos son estadounidenses. Y eso se debe a que el plan original para la película de venganza de víctimas de violación era que se desarrollara en Chicago. Las cosas solo cambiaron porque el tema increíblemente cargado hizo casi imposible obtener una estrella o financiamiento.
Al final, el escenario francés y la falta de restricciones elevaron la película, permitiendo al director trabajar sin restricciones, aunque lamentablemente a costa de un estreno más amplio.
1 Emma Watson y Miles Teller estaban en conversaciones para protagonizar La La Land
La La Land se convertirá en la gran ganadora de los Oscar de este año, hasta el punto en que la pregunta no es "¿Ganará la Mejor Película?" pero "¿Coincidirá con el número de victorias de todos los tiempos?" Ciertamente, la imagen parece un candado en este punto, así como el director de Chazelle. También una apuesta segura es que Emma Stone se vaya con dos calvos dorados al final de la noche: uno para la actriz y otro para interpretar la canción que se lleve a casa el premio.
Emma Watson debe estar pateándose a sí misma por eso: originalmente estaba programada para interpretar a Mia antes de que la película entrara en conflicto con sus compromisos con La Bella y la Bestia (ese remake de acción en vivo de Disney está destinado a ser un éxito, así que al menos hay algo de consuelo). Iba a protagonizar junto a Miles Teller, la estrella de Chazelle Whiplash, quien abandonó el proyecto después de que las negociaciones del contrato fracasaran. Su partida no solo cambió la cabecera, sino también el enfoque de Chazelle: al encontrar reemplazos, el director hizo que Mia y Seb envejecieran, lo que se sumó a la melancolía de la película.
Esa no es la única gran diferencia entre La La Land planificada y la película terminada. El guión presenta varios elementos cortos que fueron recortados, incluida una toma final en la que la cámara recorre la Ciudad de las Estrellas.