“El tiempo nos engaña a todos”, dijo el matemático Eric Bell. Es una cita que probablemente hayas hecho algunas veces, generalmente cuando alguien se lamenta de la pérdida de los buenos viejos tiempos o de algunas circunstancias actuales. Es un dicho deprimente que se vuelve aún más trágico por lo cierto que a menudo resulta ser. Los fanáticos del cine lo saben bien. A menudo, recordamos alguna película más antigua de nuestra juventud como genial, o escuchamos sobre una película más antigua que se ha considerado un clásico, y nos decepcionamos cuando la revisamos ahora por nosotros mismos y descubrimos que no ha sobrevivido al paso del tiempo.
La parte de esa cita que tiende a cortarse es "Nuestro único consuelo es que más grande vendrá después de nosotros". Es tentador, a veces, defender las películas clásicas a lo largo de los años como ejemplos impecables de lo que las películas son capaces de hacer en su mejor momento. Los colocamos en un pedestal tan alto que estamos destinados a admirarlos para siempre, sin llegar nunca a alcanzar sus alturas imposiblemente elevadas. La verdad del asunto es que el tiempo puede engañar incluso a las mejores películas (sin mencionar los éxitos de taquilla más modernos). En lugar de ignorarlo, quizás sea mejor recordar que allana el camino para que vengan cosas mayores.
Aquí está la versión de Screen Rant de las 15 películas clásicas que han envejecido mal.
15 calles malas (1973)
El querido crítico de cine Roger Ebert se refirió una vez a Mean Streets como "uno de los puntos de origen de las películas modernas". Muchos fanáticos, sin embargo, simplemente eligen recordarla como la primera película verdadera de Martin Scorsese. Si bien eso no es exacto cronológicamente, es exacto espiritualmente. Esta es la película que estableció el amor de Scorsese por el lenguaje crudo (estableció un récord para la mayoría de los usos de la palabra F), representaciones realistas del crimen en la ciudad y el uso de música con licencia para preparar una escena. Es un estilo que Scorcese y muchos otros directores emularon y perfeccionaron a lo largo de los años.
Eso es parte del problema con Mean Streets. Es un borrador que sería editado por muchos grandes visionarios (sobre todo el propio Scorsese) hasta que se convirtió en una obra maestra atemporal en películas como Goodfellas. Hay ejemplos adorables de cine amateur en Mean Streets (escenas de lucha que no se sienten coreografiadas), pero gran parte de la película se siente más descuidada que cruda. Taxi Driver, una película de Scorsese lanzada solo tres años después de Mean Streets, no ha perdido nada de su fuerza con el tiempo. Es difícil decir lo mismo de esta película que alguna vez fue fácil de elogiar por ser un tipo diferente de película criminal.
14 Los pájaros (1963)
La gran mayoría de las películas clásicas de Hitchcock han envejecido increíblemente bien. En realidad, es un poco aterrador ver cómo películas como Rear Window, Vertigo y North By Northwest todavía tienen pocos iguales cinematográficos modernos. Lo mejor de las mejores películas de Hitchcock es que tienen una forma de sumergirte por completo en sus mundos. Hitchcock usó su cámara como un pincel de pintor, para detallar cuidadosamente cada centímetro de cada fotograma. Es este nivel de control lo que le ayudó a convertirse en "El maestro del suspenso".
Pocas de estas cualidades atemporales aparecen en The Birds. Hay algunos momentos de belleza cinematográfica en The Birds, pero este es Hitchcock en su forma más aburrida (lo cual no es un insulto tanto como piensas). Gran parte de los elogios iniciales que recibió esta película tuvieron que ver con los efectos especiales de la película. Ahora que esos efectos están tan desactualizados, se vuelve mucho más difícil realmente aceptar la premisa de que “los pájaros deciden comenzar a atacar a las personas”. Considerando cuánto kilometraje intenta sacar la película de esa premisa, eso es un problema. En lo que respecta a la efectividad a largo plazo, esto no se compara con el esfuerzo de género anterior de Hitchcock, Psycho.
13 Desayuno en Tiffany's (1961)
Es bastante fácil ver lo que la gente vio en Breakfast At Tiffany's cuando se estrenó por primera vez en 1961. Era una adaptación de una novela exitosa, protagonizada por la incomparable Audrey Hepburn en un papel icónico, y la película está increíblemente bien filmada (su mejor la dirección de arte Oscar es bien merecido). Era una comedia romántica en el espíritu de películas clásicas como Sucedió una noche, pero con la relevancia moderna suficiente para darle una ventaja. Sin embargo, mire la película ahora y probablemente se centrará en algunas cosas que el público en ese entonces no veía.
La más notable de estas revelaciones modernas es el papel horriblemente racista del Sr. Yunioshi, interpretado por Mickey Rooney. Es una anomalía cinematográfica en el sentido de que es una representación tan abiertamente racista que casi trasciende el racismo. Mirando más allá incluso de esos elementos claramente fechados, todavía tienes una película que no encuentra su sentido. Desayuno de Truman Capote en Tiffany's contó la desgarradora historia de una joven que intenta encontrar su camino en una ciudad difícil. El mayor pecado de la película es que "Hollywoodizó" muchos de los elementos originales de la historia de una manera que el público moderno a menudo demoniza a los estudios.
12 Fiebre del sábado por la noche (1977)
"¡Pero Saturday Night Fever es una instantánea de los años 70!" puedes estar diciendo. Si es así, ciertamente no te equivocas. La película de 1977 de John Badham sobre un niño de Brooklyn llamado Tony que intenta pasar un buen rato y tal vez encontrar un poco de fama como el mejor bailarín de su rincón del mundo sin duda captura el espíritu de los años 70. La moda de la película suele ser lo que mucha gente piensa cuando intenta retratar la juventud de este período. Su banda sonora inmortalizó para siempre a los Bee Gees y otras leyendas del disco, las escenas de baile son geniales, la atmósfera es animada y la dirección es bastante acertada.
La razón por la que Saturday Night Fever está fechada no tiene nada que ver con la música o la moda y tiene mucho que ver con los personajes. Tony es descrito más generosamente como un imbécil. Tiene una mente unidireccional que generalmente lo lleva a intentar tener la mayor cantidad de sexo posible o provocar un infierno innecesario. En esta era de la epidemia anterior al sida, eso podría haber sido más fácil de tragar, pero las promiscuas aventuras de macho alfa de Tony y su grupo de amigos tontos y en busca de emociones son dignas de vergüenza hoy. Es probable que el intento de Tony de violar a Stephanie después de un concurso de baile sea el momento en que los espectadores modernos simplemente elijan pasar a otra cosa.
11 Testigo de la acusación (1957)
Witness For The Prosecution ciertamente no fue la primera película de drama judicial, pero es fácil rastrear el género tal como lo conocemos ahora hasta las influencias de esta película. Es la historia de un hombre acusado de asesinato a pesar de la gran evidencia circunstancial del caso. Las cosas llegan a un punto en el que tanto la fiscalía como la defensa se dan cuenta de que todo el caso puede depender del testimonio de la esposa del acusado. El resto de la historia se desarrolla a través de una serie de giros y vueltas, del tipo que tan comúnmente vinculamos a tales epopeyas judiciales.
Por innovadora que sea la película en ese sentido, también revela su edad en cómo se desarrollan estos momentos. Los eventos del juicio están destinados a conmocionar y sorprender a los espectadores, pero gran parte de la conmoción se ha diluido a lo largo de los años por la naturaleza básica del caso. Dadas algunas de las tragedias de las que escuchamos a diario, el asesinato de una anciana rica apenas se registra. Ciertamente no ayuda que algunos de los momentos más importantes de la película se transmitan de una manera increíblemente torpe. De hecho, el grito de Marlene Dietrich de "¡Maldito seas!" está a la altura del "¡No!" de Darth Vader en términos de entregas dramáticas se volvió cómico. Esperemos que el próximo remake (posiblemente dirigido por Ben Affleck) tenga más peso en los próximos años.
10 rebelde sin causa (1955)
En un momento en que los estadounidenses estaban comenzando a tomar conciencia del concepto de que los adolescentes son su propio grupo de adolescentes, Rebel Without A Cause apareció e intentó atraer a este floreciente grupo demográfico. Esta fue la película que prometió finalmente arrojar luz sobre esta generación incomprendida. Debido a esto, atrajo la misma cantidad de controversias y elogios. Naciones enteras temían su poder para incitar a la rebelión adolescente. Otros simplemente lo aclamaron como una revolución.
Hoy en día, es mucho más fácil tratar la película como una parodia de su época. De hecho, hay muchos aspectos de esta película que se han parodiado. Las bandas exageradas (estamos a un baile de West Side Story en este caso), la actuación exagerada ("¡Me estás destrozando!" De James Dean fue la inspiración para la entrega de The Room de la misma línea), y el uso prolífico de actores mayores que interpretan a adolescentes son dignos de una mirada sólida. Casi todo en esta película fue diseñado para generar una reacción emocional en el público de la época. Ahora bien, es más probable que esta comedia no intencionada genere risas.
9 True Grit (1969)
True Grit está en un lugar extraño, históricamente hablando. Fue lanzado en 1969, tres años después de The Good, The Bad y The Ugly y el mismo año que Butch Cassidy and the Sundance Kid. En resumen, salió en un momento en que la película occidental comenzaba a ponerse un poco más valiente. A pesar de su nombre, True Grit realmente no intenta aprovechar este nuevo estilo emergente. Es un tipo clásico de Western lanzado en un momento en que el género estaba madurando.
Esa es parte de la razón por la que la película es un poco más difícil de asimilar en estos días. No tiene el encanto inocente sin filtrar de los primeros westerns, y también carece de la oscura madurez de algunos de sus contemporáneos. La forma de la vieja escuela en la que la película presenta tanto a John Wayne también se convierte en un problema. Su actuación es ciertamente magnética, pero a costa de casi todos los demás. A diferencia de la versión de la película de los hermanos Coen, que retrata a los héroes secundarios como iguales, la versión de 1969 es claramente el programa de John Wayne. Es una mentalidad anticuada de protagonista que hace que ciertos papeles secundarios (en particular, La Boeuf de Glen Campbell) sean casi insoportables.
8 Un asunto para recordar (1957)
An Affair to Remember comienza con una premisa relativamente simple. Nickie Ferrante (Cary Grant) se encuentra con Terry McKay (Deborah Kerr) por casualidad. Ambos están en una relación, pero claramente se sienten atraídos el uno por el otro. Como tal, acuerdan reunirse nuevamente en seis meses en el Empire State Building para ver dónde se encuentran en la vida. En un sorprendente giro de los acontecimientos, Terry es atropellado por un automóvil en el camino hacia el Empire State Building. Como tal, no asiste a la reunión y no tiene planes de reunirse con Nickie nuevamente.
Aquí es donde la película comienza a fecharse. An Affair to Remember es en realidad una nueva versión de una película de 1939 llamada Love Affair, que se vuelve obvia cuando comienzas a soportar una serie de frases románticas cursis como "El invierno debe ser frío para quienes no tienen buenos recuerdos" y "Si hubiera que le sucediera a uno de nosotros, ¿por qué no podía haber sido yo? Este nivel extremo de savia resta valor a una premisa que ya estaba en un terreno inestable con su "¿Puede un hombre realmente amar a una mujer en silla de ruedas?" trama.
7 El sonido de la música (1965)
¿Existe una calificación G dura? Si es así, The Sound of Music se lo gana. En primer lugar, dejemos claro que los musicales inocentes de épocas pasadas no envejecen automáticamente mal. Mary Poppins, por ejemplo, sigue siendo una película familiar muy inteligente y bien hecha. Singin 'in the Rain es también una película particularmente brillante sobre un tiempo de transición en el cine que resulta ser un musical. The Sound of Music, sin embargo, es un musical por el simple hecho de ser un musical.
En cuanto a la producción, las amplias tomas de campo que siempre se muestran cuando se destaca la película siguen siendo impresionantes. Sin embargo, lo que normalmente no se muestra en esos carretes destacados son las casi tres horas de brincos sin propósito y números musicales alargados diseñados para atraer solo a los aduladores cantantes. La película es en gran medida un producto de su época en el sentido de que se presenta como un tributo glorioso al muy popular género musical de acción en vivo. Eso funcionó bastante bien para el público en 1965, pero en 2016, aquellos que quieran ver un gran musical de Hollywood encontrarán muchas alternativas que tienen un propósito mucho más narrativo. Las mejores partes de este se pueden escuchar en la banda sonora oficial.
6 El nacimiento de una nación (1915)
Hay dos puntos de vista distintos cuando se trata de El nacimiento de una nación de DW Griffith. La primera es que la película es posiblemente la película más importante en la historia de la producción cinematográfica. Cualquiera que se haya sentado en una clase de escuela de cine ha escuchado esta perspectiva. Para una película realizada en 1915, El nacimiento de una nación casi parece que podría haberse rodado en los últimos 10 años. El otro punto de vista identifica apropiadamente esta película como una de las películas más abiertamente racistas jamás realizadas. Eso probablemente tenga algo que ver con el hecho de que retrata al Ku Klux Klan como héroes casi inmaculados.
A medida que pasa el tiempo, la controversia comienza a pesar mucho más que el rastro cinematográfico de la película. No es fácil ver Birth of a Nation y superar sus elementos sociales más anticuados. Es un obstáculo que no se vuelve mucho más fácil de superar cuando te das cuenta de que esta película generó un renovado interés en la membresía del KKK y originalmente se tituló The Clansman. El uso prolífico de la cara negra a lo largo de la película es solo el último clavo en el ataúd.
5 5 Easy Rider (1969)
No se puede exagerar el impacto que tuvo Easy Rider en el cine estadounidense. Es legítimamente reconocida como la película que ayudó a iniciar lo que comúnmente se conoce como la era del Nuevo Hollywood. Esta era se caracteriza por la voluntad de los estudios de permitir que los directores estadounidenses asuman un papel de autor y tengan el control creativo de sus propias películas. Socialmente, la película se dirigió a una generación de estadounidenses que viven en medio de un clima cultural cambiante. Abrazó el encanto de la carretera abierta mientras abordaba los horrores de ciertas normas culturales.
El hecho de que una película sea importante no significa que necesariamente haya envejecido bien, por supuesto. Hay problemas con esta película desde una perspectiva técnica (principalmente relacionada con la estructura de la historia), pero el problema real es el mensaje de Easy Rider. Sus temas de contracultura resonaron fácilmente con una generación pasada a la que rara vez se hablaba en las películas, pero las aventuras de Wyatt y Billy probablemente parecerán egoístas y superficiales cuando se vean desde una perspectiva moderna. Esta película una vez le habló a la gente. Ahora les grita con una retórica cansada.
4 Bonnie y Clyde (1967)
Para ser justos, hubo un buen número de personas que no estaban demasiado locas por Bonnie y Clyde cuando se lanzó. Aquellos a quienes no les gustó la película a menudo citaron su violencia y contenido sexual como la razón detrás de su descontento. Este fue uno de los primeros estrenos importantes en la historia del cine estadounidense en realmente sensacionalizar la violencia al no rehuir mostrarla en su totalidad. Los squibs se usaron con bastante generosidad para efectos de disparos. Tampoco tuvo ningún reparo en exaltar la relación altamente sexual entre sus personajes principales. Sin embargo, al final, la película llegó a ser reconocida como un lanzamiento de importancia histórica que cambió la forma en que las películas estadounidenses retratan la violencia.
Desde entonces, han aparecido una plétora de películas que hacen que la violencia de Bonnie y Clyde parezca una caricatura del sábado por la mañana. Sería casi imposible para cualquiera que haya visto películas de los últimos 20 a 30 años ver a Bonnie y Clyde y sentirse conmocionado por cualquier cosa que hayan visto. Sin esa misma reacción emocional que una vez generó la película, Bonnie y Clyde se vuelven mucho más notables por su presentación a menudo extravagante y su narración descuidada. Es una película de autocine bastante entretenida, pero no una película que sería una de las favoritas de los premios según los estándares actuales (fue nominada a los 10 premios Oscar en esa época).
3 El infierno imponente (1974)
En el momento de su lanzamiento, The Towering Inferno era una gran idea para una gran película. Siguiendo los pasos de The Poseidon Adventure, esta película reunió tantas estrellas como el estudio pudo permitirse en un edificio que se incendió y se está cayendo a pedazos rápidamente. Fue una película de desastre antes de que ese título se aplicara necesariamente al género, y el público se sintió atraído por su poder de estrella y su espectáculo. En realidad, es un precursor del éxito de taquilla moderno de esa manera.
Ha habido muchos éxitos de taquilla a lo largo de los años que no han envejecido bien, pero The Towering Inferno se destaca en un par de formas. En primer lugar, aunque Paul Newman y Steve McQueen son siempre atractivos importantes, el poder estelar de la película no trascenderá generaciones a menos que siempre hayas querido ver a Fred Astaire y OJ Simpson en la misma película. ¡Avión! La disección experta de todo este subgénero tampoco le hizo ningún favor a los momentos dramáticos de esta película. Uno solo puede tomar tantos besos finales de "En caso de que no te vuelva a ver" y "¡Concéntrate mujer!" momentos antes de que te des cuenta de que este fue sin duda el producto de una época diferente.
2 sopa de pato (1933)
Puede pensar que las películas de los años 20 y 30 son opciones fáciles. ¿Cuántas cosas realmente envejecen bien después de casi 100 años? Realmente hay bastantes películas de ese período que todavía son relevantes hoy. Las obras de Charlie Chaplin, por ejemplo, destacan por su humor y sorprendente profundidad emocional. No se puede decir fácilmente lo mismo de los hermanos Marx. Harpo, Groucho, Gummo y Zeppo Marx fueron un grupo cómico que alguna vez fue el brindis del cine temprano. Si bien tuvieron muchas películas populares, pocas se han vuelto tan importantes como Duck Soup de 1933.
Ver Duck Soup ahora es más o menos el equivalente a ver a un comediante que lanza una broma tras otra a la audiencia. Una pareja puede aterrizar, pero es más una cuestión de volumen que de buen humor. Ese estilo ciertamente está pasado de moda por sí solo, y Duck Soup no ayuda a su propia causa centrándose en el humor político. No solo muchas de las referencias de la película pasarán por encima de la cabeza del espectador moderno promedio, sino que significa que incluso los mejores chistes se parecen a esas viejas caricaturas políticas donde el chiste está claramente etiquetado, para evitar cualquier confusión potencial.
1 Lo que el viento se llevó (1939)
Lo que el viento se llevó es tan sinónimo de películas clásicas que se está acercando al estado de meme. Por ejemplo, si comes un buen perrito caliente, podrías decir "Eso fue lo que el viento se llevó de los perritos calientes". (Bueno, podrías.) Es una película épica en el verdadero sentido de la palabra. Abarcando múltiples ubicaciones elaboradas y presentada en colores gloriosos, esta película se hizo por la impactante cantidad de $ 3.85 millones (alrededor de $ 66 millones en la actualidad), y casi cada dólar de ese presupuesto se muestra en la pantalla. Estableció un estándar de producción que no se igualaría en los próximos años.
También está bastante desactualizado en muchos aspectos. Desde el punto de vista de la realización cinematográfica, las escenas prolongadas y la actuación demasiado dramática ya no son tan digeribles como antes. También tiene varios momentos desafortunados de mensajes políticos al revés en todo momento. La descripción que hace el viento de la esclavitud y el "Viejo Sur" en general es a menudo dolorosamente romantizada. También está el asunto de la escena en la que Rhett se obliga a sí mismo con Scarlett para dar aquí "lo que le espera". Érase una vez, eso pasó como un romance cinematográfico, pero ahora, se lo conoce más comúnmente como violación. La explicación de Rhett de que sus acciones fueron justificadas porque bebió demasiado, ciertamente no alivia el problema.
---
¿Qué otros clásicos del cine crees que han envejecido mal? Háznoslo saber en los comentarios.